Beschreibung des Workshops

Das Antony-Projekt wurde als Reaktion auf die Herausforderungen ins Leben gerufen, die mit der langfristigen Pflege technischer Komponenten in gemischten Musikwerken verbunden sind. 

Da dies untrennbar mit der Lebensdauer sich ständig weiterentwickelnder Software und mit nicht kompatiblen Programmiersprachen verbunden ist, hängt die Erhaltung eines gemischten Werks oft allein von der Fähigkeit einer kleinen Gruppe von Personen – Computermusik-Designer*innen, Komponist*innen, Tontechniker*innen usw. – ab, die entwickelten Programme (Patches, Computercode, Partiturdateien usw.) bei jeder Wiederaufführung des Werks zu aktualisieren, wodurch dessen langfristige Erhaltung von den Aufführungen abhängig ist. Zu diesen Schwierigkeiten, die Werken mit digitalen Technologien innewohnen, kommt eine weitere Herausforderung im Zusammenhang mit der Erhaltung und Verbreitung hinzu:

Mit Ausnahme der Sidney-Datenbank (einem am IRCAM erstellten digitalen Archiv für gemischte Werke) haben nur sehr wenige nachhaltige Initiativen die systematische Organisation und Erhaltung von Patches ermöglicht, sowohl zu Sicherungszwecken als auch, um sie Künstler*innen und Forscher*innen zugänglich zu machen. Die Plattform „Antony“ ist darauf ausgelegt, die Hinterlegung digitaler Archive zu ermöglichen,
begleitet von umfassenden Beschreibungen der Inhalte und Dateiformate sowie der Festlegung und Verwaltung von Zugriffsrechten auf die Dateien und die zugehörige Dokumentation. Sie umfasst fortschrittliche Funktionen für die Datensuche, Einsichtnahme und den Abruf mit dem Ziel, die Untersuchung, Portierung, erneute Ausführung und Reproduzierbarkeit der künstlerischen Werke zu gewährleisten.

Zu Beginn dieses Workshops werden wir einen kurzen Überblick über andere (bestehende oder eingestellte) Initiativen im Zusammenhang mit Online-Datenbanken für experimentelle Musikkomposition geben. Wir werden die von ihnen angebotenen Funktionen vergleichen und die Frage ihrer langfristigen Nachhaltigkeit erörtern. 

Antony wurde unter strikter Einhaltung der Semantic-Web-Standards und Best Practices entwickelt. Das Projekt stützt sich auf etablierte Normen und Technologien des WEB 3.0, darunter die Verwendung formaler Wissensrepräsentationsmodelle, standardisierter Vokabulare und interoperabler Datenstrukturen, um semantische Interoperabilität, Erweiterbarkeit und die langfristige Nachhaltigkeit der Daten zu gewährleisten. Die Aufbewahrung und Verbreitung kollaborativer gemischter Musikwerke wirft erhebliche rechtliche und urheberrechtliche Herausforderungen auf, die auf die Vielzahl der Mitwirkenden, die Integration digitaler Technologien und die technische Komplexität dieser Werke zurückzuführen sind.
Jede Komponente – von Audioaufnahmen und Partiturdateien bis hin zu Software-Patches und interaktiven Skripten – kann unterschiedlichen urheberrechtlichen Schutzbestimmungen, Lizenzbedingungen oder Urheberpersönlichkeitsrechten unterliegen. Diese Komplexität wird noch verstärkt, wenn die Werke Kooperationen zwischen verschiedenen Institutionen, Ländern oder digitalen Plattformen beinhalten, die jeweils potenziell unterschiedliche rechtliche Rahmenbedingungen aufweisen.

Benutzer*innen mit eingeschränkten Rechten und Dateiberechtigungen spielen bei der Bewältigung dieser Herausforderungen eine entscheidende Rolle. Die Implementierung detaillierter Zugriffskontrollen stellt sicher, dass nur autorisierte Benutzer*innen auf die digitalen Ressourcen zugreifen, diese ändern oder weiterverbreiten können, was dazu beiträgt, Lizenzvereinbarungen einzuhalten und das geistige Eigentum aller Mitwirkenden zu schützen. Detaillierte Berechtigungen können zudem einen differenzierten Zugriff für Künstler*innen, Forscher*innen, Pädagog*innen oder die breite Öffentlichkeit ermöglichen und so ein Gleichgewicht zwischen Offenheit und Einhaltung gesetzlicher Vorschriften herstellen. Darüber hinaus sind robuste Metadaten und eine umfassende Dokumentation unerlässlich für die Nachverfolgung von Rechten, Urheberschaftsangaben und Nutzungsbeschränkungen. Standardisierte Metadaten zu Rechten können die rechtmäßige Wiederverwendung von Materialien erleichtern, die automatisierte Durchsetzung von Berechtigungen ermöglichen und Transparenz für zukünftige Interpretationen oder Rekonstruktionen der Werke schaffen. Insgesamt ist eine sorgfältige rechtliche und technische Steuerung entscheidend, um sowohl die Nachhaltigkeit als auch die ethische Verbreitung kollaborativer gemischter Musikwerke zu gewährleisten und gleichzeitig die Einhaltung des Urheberrechts zu gewährleisten.

Die Workshop-Teilnehmer*innen können sich für ein Konto auf der Antony-Plattform registrieren und die Bestandteile ihrer künstlerischen Werke hinterlegen, darunter Partituren, Patches, Audioaufnahmen, DAW-Session-Dateien, technische Dokumentation usw. Jeder hinterlegte Bestandteil kann manuell identifiziert und dokumentiert werden. Die Plattform speichert diese Materialien in einer strukturierten und interoperablen Datenbank und gewährleistet so die langfristige Aufbewahrung, Reproduzierbarkeit und Zugänglichkeit für autorisierte Nutzer*innen. Dieser Ansatz unterstützt sowohl die wissenschaftliche Forschung als auch die kreative Praxis und erleichtert die zukünftige Wiederverwendung und Verbreitung der Werke.

Auf der Grundlage unserer umfangreichen Erfahrung mit künstlerischen und interaktiven Werken, die digitale Technologien integrieren, werden wir eine Reihe von Best Practices für die Dokumentation technologisch vermittelter künstlerischer Schöpfungen entwickeln und empfehlen. Diese Best Practices umfassen Überlegungen zu Standards, Dateiformaten, Dokumentationsstil und Datenkuration. Da Antony eine unter der LGPL lizenzierte Open-Source-Plattform ist, kann sie als lokale Instanz der Datenbank bereitgestellt werden.
Teilnehmer*innen, die ihre Daten nicht auf der vom CNSMDP gehosteten Version von Antony speichern möchten, haben die Möglichkeit, die Software auf ihren eigenen Computern zu installieren und auszuführen. Für Teilnehmer*innen, die an diesem Ansatz interessiert sind, können wir Anleitungen und praktische Hinweise bereitstellen, um eine lokale Installation zu erleichtern.

Struktur des Workshops

• Darstellung des Kontexts
• Vergleich mit derzeitigen und früheren Datenbanken (wie z. B. Sidney)
• Einführung in die verwendeten Ontologien und Thesauri
• Erörterung rechtlicher und urheberrechtlicher Fragen im Zusammenhang mit der Aufbewahrung und Verbreitung gemeinschaftlich geschaffener Musikwerke
• Eingeschränkte Benutzer*innen – Dateiberechtigungen
• Praktische Übungen

In Antony verwendete Technologien

• Python
• Semantisches Web
• CubicWeb (Logilab)
• PostgreSQL
• Ontologien: CIDOC-CRM, FRBRoo/LRMoo, DOREMUS

Quellenangaben

Projekt-Webseiten:

https://musinf.univ-st-etienne.fr/recherches/antony.html
https://antony.demo-dedibox.logilab.fr 

Ausgewählte Veröffentlichungen:

FOUILLOU, Malena ; LEMOUTON, Serge ; POTTIER, Laurent ; WARNIER, Jacques ; BOTTINI Thomas, BONARDI, Alain, « Vers une préservation pérenne du répertoire des œuvres musicales avec électronique : développement du système Antony » (Towards long-term preservation of the repertoire of musical works with electronics: development of the Antony system”), Proceedings of the Journées d'Informatique Musicale 2025 (JIM 2025), GRAME, Inria, 2025, Lyon, https://hal.science/hal-05102314

LEMOUTON, Serge ; BONARDI, Alain ; POTTIER, Laurent ; WARNIER, Jacques, « On The Documentation of Electronic Music », Computer Music Journal, 42:4, p. 1–18, Winter 2018.

LEMOUTON, Serge ; BONARDI, Alain ; POTTIER, Laurent ; WARNIER, Jacques, « Electronic music documentations, practices and models », Proceedings of the International Computer Music Conference, (ICMC), Daegu (Corée), August 2018.

BONARDI, Alain ; LEMOUTON, Serge ; POTTIER, Laurent ; WARNIER, Jacques, « Présentation du groupe de travail AFIM, "Archivage collaboratif et préservation créative" », Proceedings of the Journées d'informatique musicale (JIM2018), Amiens, 2018, p.11-12 . 

Über die Leitung des Workshops

Serge Lemouton: Computer-Musikdesigner – Institut de Recherche et Création Acoustique/Musique – Centre
Georges Pompidou (IRCAM-CGP)
Seit 1992 arbeitet Serge Lemouton als Computermusik-Designer am IRCAM, entwickelt in Zusammenarbeit mit Forscher*innen Computerwerkzeuge und war an der Produktion und öffentlichen Aufführung zahlreicher Musikprojekte verschiedener Komponisten beteiligt. Derzeit beschäftigt er sich mit Partiturverfolgungssystemen, der Analyse instrumentaler Gesten und der Constraint-Programmierung für die computergestützte Komposition. Im Rahmen seiner aktuellen Forschungsarbeit befasst er sich mit der Weitergabe und Bewahrung des Computermusik-Repertoires.

Jacques Warnier: Forschungsingenieur, Kulturministerium – Realisator für Computermusik (RIM), Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP)
Seit 2007 unterstützt Jacques Warnier den Lehrgang „Komposition und neue Technologien“ am CNSMDP, wo er Konzerte produziert und Live-Elektronik für Werke mit gemischtem Repertoire einsetzt. Nach seinem Master-Abschluss in Computermusikdesign Music Design im Jahr 2015 schloss er 2016 als Forschungsingenieur beim Kulturministerium an. In seiner Tätigkeit verbindet er musikalisches Können mit ingenieurwissenschaftlichem Fachwissen, um die künstlerischen und technischen Voraussetzungen für die Aufführung von Musik des 20. und 21. Jahrhunderts unter Einsatz digitaler Audiotechnologien zu schaffen. Seine Forschungsarbeit konzentriert sich darauf, dieses Repertoire den Studierenden zugänglich zu machen: Er kuratiert Werke nach Instrumenten, beschafft Partituren und elektronische Parts, katalogisiert diese in der Hector Berlioz-Mediathek sowie die Konservierung oder Rekonstruktion elektronischer Komponenten. Er ist Mitglied der AFIM-Arbeitsgruppe „Collaborative Archiving and Creative Preservation“ (seit 2018), die nun „Antony“ heißt, und beteiligt sich seit 2022 am Humanum-Konsortium für digitale Musikwissenschaft (Musica2).

Praktische Informationen

Der Workshop findet am Freitag, den 27.11.2026, von 10:00 bis 12:30 Uhr an der TU Dortmund im Rahmen des AREM-Symposiums statt. Die Teilnahme ist kostenlos, erfordert jedoch eine Anmeldung per E-Mail an symposium.arem@gmail.com 
Bitte bringen Sie Ihren Laptop zum Workshop mit.

Carsten Reinhardt ist Professor für Wissenschaftsgeschichte an der Universität Bielefeld und Co-Direktor des Instituts für Wissenschaftsforschung (ISoS). Von 2013 bis 2016 war er Präsident und Geschäftsführer des Science History Institute in Philadelphia, USA. Zwischen 2014 und 2023 leitete er gemeinsam mit anderen Wissenschaftler*innen das Forschungsprogramm zur Geschichte der Max-Planck-Gesellschaft. Reinhardts Forschungsschwerpunkte sind die Geschichte der Chemie, die industrielle Forschung, wissenschaftliche Messtechnik und Expertenwissen. Für sein gemeinsam verfasstes Buch „Residues. Thinking Through Chemical Environments“ (Rutgers UP 2022) erhielt er 2023 den Robert-K.-Merton-Preis der American Sociology Association (Sektion Wissenschaft, Wissen und Technologie). Im Jahr 2024 erhielt er den Morris-Preis der Society for the History of Chemistry als Anerkennung für wissenschaftliche Leistungen in der Geschichte der modernen Chemie oder der Geschichte der chemischen Industrie. Gemeinsam mit Gabriele Gramelsberger (Aachen) sowie Ulf Hashagen und Helmuth Trischler (München) leitet er die „Edition of Scientific Software“, ein von der Union der deutschen Akademien der Wissenschaften gefördertes Langzeitprojekt.

Matthias Pasdzierny ist Tenure-Track-Professor an der Universität der Künste Berlin und der Berlin-Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften; er leitet die Berliner Geschäftsstelle der Bernd-Alois-Zimmermann-Gesamtausgabe (www.zimmermann-gesamtausgabe.de). Seine Forschungsschwerpunkte sind: Musikgeschichte nach 1945, kritische Editionen von Musik des 20. Jahrhunderts, Musik und Migration/Exil sowie Ästhetik und Geschichte von Techno und elektronischer Tanzmusik (EDM).

Eve M. Zucker ist soziokulturelle Anthropologin und wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Anthropologie der Yale University. Sie ist Mitbegründerin der internationalen Forschungsgruppe „Digital Archive of Memorialization of Mass Atrocities“ (DAMMA) und hat das Programm „Digital Memorialization of Mass Atrocities“ im Rahmen des Yale Genocide Studies Program mit ins Leben gerufen. Zudem ist sie Präsidentin und Geschäftsführerin des Center for Khmer Studies. Ihre Forschungsarbeit befasst sich mit der Erinnerung an Massengewalt, digitaler Gedenkarbeit, KI-Ethik und der Erhaltung des kulturellen Erbes, insbesondere im Zusammenhang mit dem Holocaust und dem Völkermord in Kambodscha.

Gerriet K. Sharma ist ein in Berlin lebender Komponist, Medienkünstler und Kunstforscher, dessen Arbeit sich mit der Schnittstelle zwischen Musik, Klang und interdisziplinären räumlichen Praktiken befasst. Seit mehr als zwei Jahrzehnten erforscht er die Räumlichmachung elektroakustischer und instrumentaler Musik mittels Ambisonics, Wave-Field-Synthese und skulpturaler Ansätze im Umgang mit Klang. Im Mittelpunkt seiner Forschung stehen die Transformation kompositorischer Strukturen in immersive dreidimensionale Klangumgebungen, KI-gestützte Kompositionspraktiken sowie hybride performative Systeme.

Er studierte Medienkunst an der Kunsthochschule für Medien Köln sowie Komposition und Computermusik an der Universität für Musik und darstellende Kunst Graz und schloss 2016 seine künstlerisch-wissenschaftliche Promotion ab. Seine Arbeiten wurden international präsentiert, unter anderem bei den Darmstädter Ferienkursen, der Musikbiennale Zagreb, den Wiener Festwochen und der Berlin Art Week. Skulpturale Arbeiten für den Icosahedral Loudspeaker (IKO) sind zu einem prägenden Element seiner Praxis geworden.

Sharma war als leitender künstlerischer Forscher am Projekt „Orchestrating Space by Icosahedral Loudspeaker“ tätig und hatte Gastprofessuren an der Technischen Universität Berlin (2017/18) sowie an der Hochschule für Kunst und Design Karlsruhe (2022–2024) inne. Seit 2025 ist er Fellow am Electronic Studio der TU Berlin.

Zu seinen Veröffentlichungen zählt „Aural Sculpturality – Spatio-temporal Phenomena within Auditory Media Techniques“ (2019), während sein binaurales Raumklangmodell „firniss redux“ Teil von „lumbung radio“ auf der documenta fifteen war. Er war Mitbegründer des Lab for Spatial Aesthetics in Sound (spæs) und initiierte die SAR-Fachgruppe „Spatial Aesthetics and Artificial Environments“. Im Jahr 2026 erhielt er für „Shadow Material“ das Stipendium des Musikfonds AI in Music und ist Mitkurator von „Crushed Now – After Turing // Beyond Presence“, einer Konzertreihe zum Thema „Hybrid Spatiology in Music“.

Marina Bosi, eine Pionierin auf dem Gebiet der digitalen Audiokodierung und maßgeblich an der Entwicklung von Standards für die Audiotechnologie beteiligt, ist Gründungsdirektorin und Schatzmeisterin der „Moving Picture, Audio and Data Coding by Artificial Intelligence“ (MPAI) und Vorsitzende der IEEE SA MPAI-CAE-Arbeitsgruppe. Als ehemalige Präsidentin der Audio Engineering Society (AES) hatte sie leitende Führungspositionen inne, darunter die des Chief Technology Officer bei MPEG LA und des Vice President of Technology bei DTS. Bei Dolby Laboratories war Dr. Bosi Teil des Teams, das Dolby Digital entwickelte, und leitete die Entwicklung von MPEG-2 AAC, wofür sie den ISO/IEC 1997 Editor Award erhielt. Als Absolventin des Executive-Programms der Stanford Graduate School of Business verfügt sie über Abschlüsse in Physik und Musik von der Universität Florenz, schloss ihre Dissertation am IRCAM in Paris ab und war Mitglied in mehreren Gremien. Als international anerkannte Rednerin, Erfinderin und Autorin hält Dr. Bosi mehrere Patente und ist Autorin des Lehrbuchs „Introduction to Digital Audio Coding and Standards“. Zu ihren Auszeichnungen zählt die AES-Silbermedaille in Anerkennung herausragender Leistungen bei der Entwicklung und Standardisierung der Audiokodierung.

Laura Zattra ist Professorin für Musikwissenschaft und Musikgeschichte am Konservatorium von Udine und wissenschaftliche Mitarbeiterin der Forschungsgruppe „Analyse des Pratiques Musicales“ am IRCAM (Paris). Sie promovierte an der Universität Trient und der Sorbonne und war zuvor als wissenschaftliche Mitarbeiterin an der Universität Padua (2004–2012) sowie als Dozentin für elektroakustische Musik, Sounddesign und angewandte Musik (2013–2024) tätig. Ihre Forschung konzentriert sich auf die Geschichte und die kreativen Praktiken der Elektronik- und Computermusik und verbindet dabei Philologie, Oral History und Ethnografie. Sie gilt als Pionierin bei der Anwendung philologischer Methoden auf die Analyse von Computermusik. Zattra ist Mitbegründerin der Forschungsgruppen MEDEG (Musica Elettronica Donne e Genere) innerhalb der AIMI (Associazione di Informatica Musicale Italiana), wo sie auch Mitglied des Vorstands (2026–2030) ist, sowie Gründerin der Website, die Teresa Rampazzi gewidmet ist. Sie ist Autorin oder Mitautorin mehrerer Bücher, darunter Studiare la Computer Music (2011), Live-Electronic Music (Routledge 2018), La notazione della musica elettroacustica (2019) und Inventare gli arnesi della propria espressione (2021), und hat über 100 wissenschaftliche Artikel veröffentlicht. Seit 2002 arbeitet sie am RAMHO-Projekt am IRCAM mit, das sich der Oral History der Akustik- und Elektronikmusikforschung in Frankreich und weltweit widmet.

Monica Lim ist eine australische experimentelle Künstlerin und Komponistin. Mit einer klassischen Klavierausbildung verbindet sie traditionelle Kunstformen mit neuen Technologien und beschäftigt sich dabei stets mit der Frage nach der Zukunft der Musik. Ihre Arbeit lässt sich nur schwer kategorisieren und verbindet körperliche Bewegung, partizipative Praxis, Schaltkreise und Raumgestaltung mit barockem Klassizismus, Computercode, Glitch und Noise. Ihre Arbeiten wurden auf bedeutenden nationalen und internationalen Plattformen präsentiert und mit Preisen wie dem Green Room Award, dem Theatre NOW Award und dem Guthman Musical Instrument Competition ausgezeichnet. Sie hat an der University of Melbourne im Fach „Interaktive Komposition“ promoviert. Ihre Forschungsschwerpunkte liegen in den Bereichen interaktive Komposition, künstliche Intelligenz für musikalische Kreativität, verkörperter Klang und das Design digitaler Musikinstrumente.

Fabian Czolbe (*1981) studierte Musikwissenschaft, Kunstgeschichte und Philosophie in Berlin, war Stipendiat eines von der DFG geförderten Graduiertenkollegs und promovierte 2011 mit einer Arbeit über Aspekte der ikonischen Notation in Henri Pousseurs Kompositionsskizzen. Er war Postdoktorand am Institut für Musikwissenschaft Weimar-Jena (DFG-Projekt, 2015–2019), ist seit 2023 wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Hamburg / ligeti zentrum und hat an Hochschulen in Berlin, Weimar, Freiburg und Marburg gelehrt.
Seine Forschungsschwerpunkte sind Musik und Musiktheater des 20./21. Jahrhunderts, experimentelle/improvisierte Musik, Instrumentaltheater, Klangkunst/Klangperformance, Musikästhetik, Notation und kompositorisches Schreiben sowie kreative Prozesse in der Musik.

Bojana Radovanović Šuput ist Musikwissenschaftlerin, Kunsttheoretikerin und leitende wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für Musikwissenschaft der Serbischen Akademie der Wissenschaften und Künste (SASA). Sie promovierte an der Musikfakultät in Belgrad mit einer Dissertation, in der sie die Beziehung zwischen Stimme, Gesangstechnik und neuen Technologien in der zeitgenössischen Kunst und der Popmusik untersuchte.

Ihre Forschungsschwerpunkte liegen in den Bereichen zeitgenössische Musik und Kunst, Stimmforschung, Metal-Musik, Kunst und Medien sowie Forschungsmethodologien in Kunst, Musik und Musikwissenschaft. Sie ist Autorin von drei Monografien und war Mitglied der Redaktionsteams zahlreicher Sammelbände und anderer wissenschaftlicher Publikationen.

Sie ist Mitbegründerin des Vereins zur Erhaltung, Erforschung und Förderung der Musik „Serbische Komponisten“ sowie Mitbegründerin und Chefredakteurin des INSAM Journal of Contemporary Music, Art and Technology (Sarajevo, Bosnien und Herzegowina).

Unter dem Künstlernamen AGF nutzt die in Ostdeutschland und Finnland lebende Dichterin, Sprachkünstlerin und Medienkünstlerin Antye Greie-Ripatti Sprache und Elektronik, erforscht das Quantum in den Tiefen von Klang und Musik und schafft als @poemproducer leuchtende Post-Internet-Gebilde.

Infos zu den oben genannten Sprecher*innen folgen in Kürze!

Die Archivierung von Musik unter Einsatz digitaler Technologien wird zu einer immer dringlicheren Aufgabe. Dies umfasst sowohl von vornherein digital vorliegende Quellen als auch digitalisierte Inhalte und gilt auch für Informationen, die in digitalen Repositorien gespeichert sind. Neben Herausforderungen wie der Bereitstellung und Wartung geeigneter Einrichtungen stellt sich vor allem die Frage, wie mit diesen digitalen Quellen umgegangen werden soll. Wie können sie strukturiert und klassifiziert werden, um den Zugang zu gewährleisten? Welche Rolle spielt es, „online zu sein“? Und wie lassen sich performative Aspekte in digitale Quellen integrieren?

Freitag, 09.10.2022; 14.00 - 17.30 Uhr

14.00 – 14.15 Uhr: virtuelles Ankommen

14.15 – 14.30 Uhr: Willkommen!

• Miriam Akkermann

14.30 – 16.00 Uhr: Strategies and Approaches (Session 1)

• Giulia Sarno: Connecting the dots: activation strategies for an archive of electronic music
• Hannah Bosma: Archiving STEIM
• Nausikaä El Mecky: The Danger of Uploading an Image - Some thoughts on the ephemeral eternity of digital archives

16.00 – 16.30 Uhr: Pause

16.30 – 18.00 Uhr: Data and Access (Session 2)

• David Lewis: Music Encoding and Linked Data: A flexible approach to sharing musical information online
• Sarah-Mai Dang: Situation Sources. On Research Data Management and Film History

Samstag, 10.12.2022; 9.15 - 12.45 Uhr

9.15 – 9.30 Uhr: virtuelles Ankommen

9.30 – 11.00 Uhr: Sources (Session 3)

• Serge Lemouton, Miller Puckette: Preventive restoration of early real-time repertoire pieces
• Mikako Mizuno: Archiving on text documentation and/or events information; multiple sources of Japanese electroacoustic pieces
• Andreas Münzmay: Data - algorithms - new insights? Digital heuristics in musicology

11.00 – 11.30 Uhr: Pause

11.30 – 12.30 Uhr: Dynamics (Session 4)

• Karin Lingnau: Aspects of collecting the immaterial and the speculative
• Annet Dekker: The tension between static documentation and dynamic art

12.30 Uhr: Abschluss & Verabschiedung

Mehr: https://arem2022.wordpress.com 

Die Archivierung von Musik unter Einsatz digitaler Technologien stellt Institutionen, Bibliotheken und Archive vor neue Herausforderungen, die von der Bereitstellung von Serverkapazitäten und der Wartung von Hard- und Software bis hin zu Fragen der Systematisierung der mittlerweile vielfältigen, teilweise digitalen Quellen reichen. Wie können und sollten diese neuen Quellen erhalten und archiviert werden? Wer wählt die Quellen aus, die gepflegt werden? Wer sorgt dafür, dass die archivierten Quellen zugänglich bleiben? Wie wird die Archivierung digitaler Medien durch rechtliche Fragen beeinflusst? Wie gehen andere Forschungsbereiche wie Medienwissenschaften, Filmwissenschaft oder Spielwissenschaft mit diesen Fragen um? Und in welchem Zusammenhang steht die Archivierung von Musik mit den neuen Entwicklungen im Bereich der digitalen Musikeditionen?

Im Rahmen des Symposiums fand ebenfalls der Workshop „Was müssen wir tun, um Musik zu archivieren?“ statt.

Eine nachhaltige Archivierung in diesem ganz besonderen Bereich der elektroakustischen Musik, der sich mit Objekten befasst, deren Originalquellen mehrere verschiedene Medienformate umfassen können, erfordert einen interdisziplinären Austausch. Der Workshop bietet eine erste Plattform für den Austausch zwischen den wichtigsten Akteuren, um ihre fachspezifischen Ideen und Ziele zu diskutieren, und kann als Ausgangspunkt für weitere Forschung dienen sowie letztlich neue Aktivitäten in diesem interdisziplinären Feld anregen.

Freitag, 23. Oktober 2020

10.00 – 10.15 Uhr: virtuelles Ankommen 

10.15 – 10.30 Uhr: Willkommen!

• Miriam Akkermann, TU Dresden (GER) 

10.30 – 12.00 Uhr: Libraries and Archives (Session 1)

• Serge Lemouton, IRCAM (F): The Electroacoustic Repertoire: Is there a Librarian?
• Barbara Wiermann, SLUB (GER): Gaps in memory? How do we archive electro-acoustic music in Germany?
• Anne Lauber-Rönsberg, TU Dresden (GER): Copyright Law Issues of Archiving and Re-performing Electro-Acoustic Music

12.00 – 14.00 Uhr: Pause

14.00 – 16.00 Uhr: Preservation strategies (Session 2)

• Kevin Dahan, DeMontfort University (GB): Towards Effective Preservation of Electroacoustic Music
• Tae Hong Park, NYU (USA): Towards Crowd-Sourced Curating, Archiving, and Preserving Electro-Acoustic Music
• Guillaume Boutard, University of Montreal (CAN): Prospecting for Digital Preservation of Electroacoustic and Mixed Music

16.00 – 16.30 Uhr: Pause

16.30 – 18.00 Uhr: Preserving and Re-Performing (Session 3)

• Seth Cluett, Colombia University (USA): Preserving In Place: Reconstructing the RCA Mark II
• Lucas Bennett, Basel University (CH): (Re-)Performing and Documenting Live Electronic Musik from the last 30 Years
   

Samstag, 24. Oktober 2020

10.00 – 10.30 Uhr: Willkommen!

10.30 – 12.30 Uhr: Projects and best practice (Session 4)

• Franziska Heller, Zürich University/Film University Babelsberg KONRAD WOLF (CH/GER): Film and archiving within digital cultures
• Bernhard Lutz, Bavarian State Library (GER): Long-term Archiving in the Specialised Information Service for Musicology (musiconn)
• Folkmar Hein, emerit. TU Berlin (GER): Statistics on Electroacustic Music

12.30 – 14.00 Uhr: Pause

14.00 – 16.00 Uhr: Workshop „What do we need to do to archive music?“

• Kurzstatements von Frédéric Dufeu, University of Huddersfield (GB), Andreas Münzmay, Paderborn University (GER), und Benjamin Bohl, Frankfurt University (GER), und Co-Workshop-Organisator Axel Berndt, CEMFI (GER).
• Der Workshop bestand aus einleitenden Beiträgen, gefolgt von einer strukturierten Diskussion und einer offenen Podiumsrunde mit allen Workshop-Teilnehmer*innen.

Mehr: https://arem2020.wordpress.com